MARMOLÉDA

… ma mi eterna cantarò …

Anno 15 - Numero 4 (66)                                                                                         Dicembre 2015

Notiziario dell’Associazione Coro Marmolada di Venezia

Edizione digitale

Editoriale

Il 12 dicembre il Coro Marmolada sarà in concerto nientepopodimenoché presso il Conservatorio di Musica di Venezia "Benedetto Marcello"!

L'evento avrà come titolo "Ieri e oggi nelle cante e nella ricerca" e sarà dedicato al ricordo di Lucio Finco, il "maestro" che condusse il "Marmolada" per oltre cinquant'anni. Tutti noi coristi ne siamo onorati, ma, nello stesso tempo, un po' spaventati perché riconosciamo l'importanza del luogo soprattutto per un complesso formato da "non professionisti". Sarà importante, però, non lasciarsi intimorire e, perciò, daremo il meglio di noi.

Il titolo comprende una storia, quella del Coro Marmolada delineata dalle scelte di repertorio, fin dagli inizi, con particolare riferimento al lunghissimo periodo di conduzione di Lucio che, sosteneva che "fare esclusivamente il repertorio del Coro della S.A.T. (come era in uso allora ndr.) sarebbe stato fare una brutta copia dello stesso" mentre, al contrario, pensava che il coro avrebbe dovuto avere una propria personalità; e questo fu il suo pensiero guida che lo accompagnò nella sua attività artistica.

Soprattutto dagli anni '60, ma anche prima, cercò nuovi autori e armonizzatori e, non sempre contento, portava variazioni -a volte improvvisate durante le prove- ai canti che aveva scelto. Lucio non era un musicista professionista ed è anche per questo  che quanto ha fatto in tutti questi anni, con semplicità, con umiltà, ma anche con orgoglio e con tenacia, vale molto di più.

Il "suo coro" condotto da Claudio Favret proporrà in questa occasione una serie di brani nella interpretazione dei quali Lucio ha messo tutta la passione ed il suo sentimento artistico che derivava non da studi musicali profondi, ma da quello che sentiva dentro.

Bepi De Marzi, in un’intervista rilasciata ad “Alpi Venete”, pubblicata nel numero “Autunno/Inverno 2001-2002”. dice, fra l’altro, così: “…… Nel primo tempo di questi quarant’anni di vita, Il Coro Marmolada di Venezia, diretto da Lucio Finco, è stato il più fantasioso e raffinato interprete delle mie storie. Da loro ho preso anche qualche suggerimento migliorativo sia nell’armonia che nella vocalità. Lucio, infatti, è stato il primo a capire che i miei canti potevano essere reinventati e lui li reinventava: alcune modifiche da lui fatte per istinto, perché magari trovava ostico qualche mio passaggio, le ho infatti trascritte con il suo permesso. …”.

In tutti gli anni della sua conduzione Lucio ha sempre sperato di poter portare il "Marmolada" ad esibirsi in Conservatorio ed oggi il suo desiderio -anche se non c'è più lui- viene esaudito.

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Valeria Solesin: morire in Francia in un momento di gioia, di realizzazione di sé, di convinzione nelle proprie scelte ideali, per una scarica di mitragliatrice vile e delirante, un morire inaccettabile per l’umana tollerante civiltà che sola ci distingue dalla belluinità cieca e demolitrice.

Anche l’Associazione Culturale ‘Coro Marmolada’, partecipando al dolore che accomuna l’intera società cittadina e nazionale, e non dimenticando le tante altre vittime del terrorismo assassino, rivolge un omaggio sincero e una profonda ammirazione al ricordo di Valeria e alla compostezza dignitosissima della sua famiglia.

L’ARMONIA E’ UNIVERSALE…O NON LO E’…

( quattro passi tra architettura e musica…)

di Paolo Pietrobon

L’amico Cerocchi  torna alla tessitura del nostro giornalino con un articolo che apre una pagina nuova alle nostre riflessioni sul mondo corale e musicale: ragionando di buona architettura e della misura intelligente da garantire alle opere umane, in particolare a quelle destinate al ‘ bene-stare’, al ‘bene-essere’, materiale e spirituale del nostro vivere. In questo caso pensando alle costruzioni murarie, che dovrebbero avere in sé equilibrio ed armonia, e alle invenzioni musicali, destinate per definizione alla stessa finalità.

Del resto, per Vitruvio, architetto e studioso fondamentale dell’età classica, tradotto a Leonardo Da Vinci proprio dal Francesco di Giorgio citato nell’articolo,  l'architetto deve avere, tra le altre, nozioni di matematica e medicina ( per conoscere le proporzioni umane e fare attenzione a illuminazione, arieggiamento e salubrità di città ed edifici ), di ottica e acustica ( basti pensare ai teatri ), perché l’architettura è imitazione della natura e l'edificio deve inserirsi armoniosamente nell'ambiente naturale. E Leonardo, conseguentemente, ne ricavò la convinzione della scientificità della pittura, della base matematicamente misurabile da anteporre alla rappresentazione artistica ( basti pensare alla sua immaginazione del famoso Uomo vitruviano, inscrivibile perfettamente in un cerchio e in un quadrato).

E la musica? Non è forse, accanto all’ispirazione, alla poesia dell’immagine, un ritmo, l’ordinata successione degli intervalli dei suoi tempi (ma anche della successione delle forme ornamentali architettoniche), e un’armonia, la scienza degli accordi musicali ( ma anche corrispondenza di idee, forme e cose ), e numero, assegnazione, distribuzione, suddivisione di un insieme nelle sue parti costitutive ( ma anche ente matematico usato per definire aspetti quantitativi delle grandezze, e cioè gli intervalli, le pause, i tempi delle battute….)?

L’articolo insomma spalanca una porta affascinante, non facile a dire il vero, sul presupposto anche nostro, di semplici coristi di ispirazione popolare, dell’impegno dato alla preparazione delle esecuzioni. Cosa su cui tornare, magari con linguaggio semplice, nei prossimi appuntamenti ( o perché no, in momenti propriamente culturali dell’ Associazione Amici del Coro Marmolada, che stiamo costituendo, pur con qualche fatica).

E il presupposto, secondo me, può essere il seguente: corrispondere, anche con l’armonia percepita o almeno inseguita con le nostre cante, ad un’esigenza profonda in tutti noi, quella di un’armonia esistenziale e pratica, mentale e spirituale, che aggiunga valore ed emozione al quotidiano scorrere della vita materiale, accidenti compresi, in un’esperienza,‘ tra cielo e terra’, che sempre s’imbatte con il ‘numero’: il correre dei giorni, del nascere e del morire, della relazione micro e macrocosmica, del piccolo ‘ me ’ e del ‘ tutto fuori di me ’…..o no? Buona lettura!

ARCHITETTURA  E  MUSICA:

UNA COMUNE ARMONIA

di Luigi Cerocchi

Scrivo come persona attenta agli eventi e ai fatti che possono incidere sullo stato dei luoghi e sulle loro trasformazioni, specie se si tratta di siti sensibili. Mutamenti cioè in grado di suscitare nell’opinione pubblica, e non solo, sentimenti di sdegno, disagio  e sconcerto o, per contro, di ammirazione e condivisione.

Da ex funzionario architetto di Soprintendenza, pur non essendomi  quasi mai occupato della tutela  del patrimonio culturale architettonico e paesaggistico di Venezia e della sua gronda lagunare, in quanto territorio non di competenza della Soprintendenza  del Veneto Orientale cui ho prestato servizio per lungo tempo,  ho  sempre tuttavia posto una certa  attenzione alle problematiche della tutela veneziana. E ancor più  mi sento di poterlo fare ora che  sono svincolato da legami di qualsiasi tipo con chi ha l’autorità di decidere su  scelte, spesso sofferte, che se attuate possono incidere positivamente o negativamente sull’assetto estetico di particolari ambiti tutelati e/o oggetto di salvaguardia.

Mi riferisco nella fattispecie all’ampliamento dell’Hotel Santa Chiara di Venezia in Piazzale Roma, il cosiddetto “cubo”, da non molto tempo liberato dai ponteggi, che tanto clamore ha ingenerato tra i veneziani, tra la gente comune, tra i turisti e tra i cosiddetti, o sedicenti, addetti ai lavori, quali critici, opinionisti, giornalisti o eminenti professori ed esperti  del settore, con critiche e “sentenze di condanna inappellabili”.

Rispetto naturalmente il ruolo delle autorità preposte al rilascio delle prescritte autorizzazioni e la  loro indiscussa autorità e discrezionalità che ben conosco e che non mi permetterei mai di contestare, limitandomi  a discutere  sull’esito di un processo progettuale, che seppure sicuramente avviato secondo  criteri che la Soprintendenza non può non aver indicato, è giunto, a mio parere, ad un risultato diverso da come ci si sarebbe potuto aspettare e pertanto da me non condiviso.

Al di là dei proclami e delle affermazioni, diffuse a volte gratuitamente e propagandisticamente, magari senza una effettiva conoscenza  della costruzione in questione e delle preesistenze storiche, e sollevate in merito al “cubo” l’estate scorsa su alcuni quotidiani (e tra queste cito quella di un giornalista di un'importante testata nazionale, il quale definisce l’ampliamento dell’hotel Santa Chiara “un cazzotto di cemento”, senza evidentemente sapere che la sua struttura è un telaio di acciaio e non di cemento armato), se si vuole esprimere un giudizio su un opera contemporanea non ci si deve lasciare trasportare, a mio parere,  dall’ emotività  dell’impatto estetico del momento, ma questo deve discendere da una riflessione fondata  sul perché di quella soluzione progettuale.  Alla domanda del perché di quel risultato, bisognerebbe rispondere che ci sarà una ragione, ma bisogna capirla e solo dopo, eventualmente contestarlo.

Riflessione che non può prescindere dalla conoscenza dell’edificio esistente e  della porzione conventuale  a suo tempo demolita, su parte del cui  storico sedime è stato realizzato l’ampliamento in questione. In altri termini, non sarebbe lecito ampliare un edificio, o, come nel caso di cui trattasi, ricostruire una parte della porzione demolita  ( in occasione della realizzazione di piazzale Roma), senza tenere conto, oltre che  della porzione esistente cui aderisce, delle caratteristiche formali  e stilistiche della parte perduta.

Questo non significa riproporne forma e caratteri architettonico – stilistici, in quanto ciò si configurerebbe come una imitazione in stile e quindi come un falso storico, visto anche il tempo trascorso dalla demolizione della parte su cui sorge l’ampliamento, ma quest’ultimo si sarebbe potuto realizzare  con maggior rispetto della storia del sito. Cioè un manufatto, che pur diverso, sia nel sistema costruttivo che formale, da quello esistente e dalla porzione mancante, ne richiamasse, almeno per grandi linee, la sagoma, il tipo di copertura a tetto, la dimensione e distribuzione delle aperture (finestre), il colore, ed eventualmente qualche dettaglio estetico della tradizione veneziana,  visto che ci troviamo all’ingresso della città.

Una simile attenzione, avrebbe evitato di conferire alla nuova costruzione, così come concepita, un ruolo dominante  e di protagonista,  come infatti appare,  rispetto alla dignità dell’edificio esistente, mentre la stessa si sarebbe dovuta inserire sull’esistente , pur con la sua modernità ed attualità, in modo discreto, in  armonia con il contesto così come sviluppatosi  nel tempo, pur nella caoticità di piazzale Roma.

Ma a questo punto, ci si potrebbe domandare,  cosa c’entra tutto questo con le tematiche inerenti il canto popolare corale e con le vicende storiche e sociali  ad esso connesse, che sono poi le argomentazioni trainanti e i motivi di riflessione di cui il Notiziario si fa interprete?

C’entra, per il semplice motivo  che un agglomerato edilizio storico, ma anche moderno o contemporaneo, più o meno vissuto, ma comunque rappresentativo di una identità urbana entro la quale ci si muove, deve offrire soluzioni estetiche ed armoniche in grado di favorire un senso di gradevolezza e di appagamento estetico, non solo per chi ne fruisce ma anche per chi lo frequenta o semplicemente  lo visita. Sensazioni  ne più nemmeno assimilabili a quelle dell’ascolto di un brano musicale così come composto o come semplicemente interpretato.

Il centro storico di Venezia, per la maggior parte della sua estensione, soddisfa tale esigenza, mentre per altre parti, e tra queste la zona di Piazzale Roma,  non si può  certo dire che tale esigenza sia soddisfatta.  Piazzale Roma, lo sanno tutti, è uno spazio veneziano atipico, che si caratterizza proprio per la sua atipicità, dove vi è di tutto e di più e dove tutto o quasi si è potuto fare, e si fa tutt’oggi (pensilina del tram compresa). Ma quando si vanno a mettere le mani a ridosso o in aderenza di testimonianze storiche di qualità, sopravvissute  alle trasformazioni del sito, non è lecito fare tutto senza una ragionata ed accurata analisi della storia e delle trasformazioni del particolare contesto.

La ricerca dell’armonia nelle trasformazioni degli ambiti urbani è elemento imprescindibile nella progettazione dei nuovi  inserimenti , dove ogni elemento dell’insieme deve tener conto degli altri elementi che compongono il contesto, e cioè, come appunto avviene per l’ arrangiamento di un testo musicale o in un orchestra, e direi anche in un coro, la sequenza delle note e degli accordi, l’armonia delle varie voci, l’intensità del suono e/o delle percussioni, per quanto variegati e fantasiosi siano, devono rispettare  precise regole, se si vogliono evitare sgradite dissonanze ed inaccettabili stonature.

In un importante trattato di Rudolf Wittkower, “Principi architettonici nell’età dell’umanesimo”, un apposito capitolo (il problema della proporzione armonica in architettura) tratta proprio questa tematica.

In quel testo, si riferisce ad esempio che Il programma platonico di Francesco Giorgi per San Francesco della Vigna a Venezia si concretizza nell’impianto architettonico della chiesa (concetti poi ripresi dal Palladio e da una lunga schiera di architetti nei secoli seguenti).

Il 15 agosto 1534, il Doge Andrea Gritti pose la prima pietra della nuova chiesa, la cui edificazione venne iniziata in base al disegno di Jacopo Sansovino. Ma presto, a seguito di divergenze circa le proporzioni della pianta, il Doge incaricò il frate francescano Francesco Giorgi di scrivere un memorandum a proposito del modello sansoviniano, nel quale il Giorgi definì la proporzione tra larghezza (m.9) e lunghezza della navata (m.27) nel rapporto (9:27) in termini musicali; cioè un’ottava e una quinta, considerando la progressione 9 : 18 : 27; poiché 9 : 18 =1:2 = un’ottava e 18 : 27 = 2 : 3 = una quinta. Rapporti armonici che discendono da Pitagora, che scoprì come i toni possano misurarsi spazialmente.

Ci si potrebbe dilungare all’infinito su queste disquisizioni di impostazioni numeriche e  rapporti spaziali, come fecero all’epoca i nostri “trattatisti”, ma ho voluto riportare solo un esempio. Rapporti che riguardavano ovviamente anche l’organizzazione delle facciate e quindi l’impatto visivo più evidente degli edifici, anche di architettura minore, del nostro Rinascimento e dei  secoli seguenti, fino alla  metà del secolo scorso, quando la rivoluzione post moderna li ha soppiantati legittimando in seguito qualsiasi soluzione progettuale, anche la più stridente.

Un po’ come è avvenuto anche per certi generi musicali, soprattutto  per la musica classica.

Concludo sostenendo che ci possono essere ambiti in cui, in assenza di manufatti storici,  o in presenza di manufatti storici residui e/o sparsi tra ricostruzioni  recenti  o del tutto estranee al contesto storico,  con lacune comunque colmabili, è possibile l’inserimento di un manufatto totalmente moderno e contemporaneo, senza particolari richiami alla storicità del sito, come potrebbe verificarsi  anche in altre parti dello  stesso piazzale Roma, ma nel caso in questione non vi erano, a mio parere, le condizioni per una  libera scelta progettuale che non tenesse conto, come detto, del particolare contesto in cui andava ad inserirsi.

Lo stesso  potrebbe dirsi  per il recupero (o “restauro”) di brani musicali perduti  (anche popolari) e ripescati, dove il recupero o la reinterpretazione di eventuali vuoti di testo o di arrangiamento  ovviamente  non possono non tener conto dell’armonia e dell’integrazione con le parti superstiti.

NOTA DELLA REDAZIONE

A completamento di questo articolo di Luigi Cerocchi e del preambolo precedente di Paolo Pietrobon, riteniamo doveroso segnalare l'articolo/intervista al  fisico Gianni Zanarini, docente di scienza e arte all’Università Bicocca di Milano, di Giacomo Gambassi dal titolo "La musica in cifre fra cielo e terra" ed apparso su Avvenire.it a questo indirizzo.

I canti della guerra: quinto appuntamento

MONTE PASUBIO ( il canto della mina )

di Paolo Pietrobon

La prima lettura di quest’altro gioiello della coralità alpina d’autore, giocato dall’estro poetico di Bepi De Marzi sui temi musicali della ridondanza e della diversione, riconosce immediatamente le nuove icone rappresentative della buona mitologia dei soldati di montagna: l’andare per colonne e il frastuono incombente dei cannoneggiamenti su in alto, ove è prevedibile, quasi scontato per molti, il sacrificio estremo: “ Su la strada del Monte Pasubio / lenta sale una lunga colonna / l’è la marcia de chi non torna / de chi se ferma a morir lassù. / bomborombom bom…”.

Ridondante quel rombo incessante, lontano a volte, altrimenti incombente, capace di travolgere borgate e paesi in valle e disperderli nell’allontanamento senza approdi prevedibili e rassicuranti: le poco raccontate tragedie degli sfollati, poco raccontate perché assorbite nella rassegnazione delle popolazioni e, in fondo, poco utili al rendiconto sincero di un’epopea doverosamente gloriosa. Rassegnazione e lontananza, sentimenti e angosce struggenti di chi osserva i lampi notturni dell’ ‘inferno’, al fronte, dove figli, fratelli e mariti stanno annaspando, con l’anima a pezzi, in un olocausto orribile, di fuoco, gas e baionette sempre pronte a squarciarti la gola.

Divergente, e incomprimibile, nell’iper-coscienza dell’onore militare più che nella consapevolezza di un evento ragionevolmente controllabile dal soldato-alpino, quindi per quella mitologia un soldato speciale, un ‘ ma ’, forse gridato nella marcia d’avvicinamento, e poi trasferito al ghigno disperato del corpo a corpo sul labbro della trincea – la propria o l’altrui poco importa –, quel ‘ ma gli alpini non hanno paura ’ che suona da riserva psichica assoluta per agire, quando non lo siano le pistole d’ordinanza di qualche ufficiale ‘bramoso di gloria’ puntate alla schiena del soldatino irrigidito dall’umana radicale paura, o il trangugiamento sconvolto di decisivi sorsi di grappa, quasi mai assenti al fronte…

In ogni caso con la conquista di un onore pulito e per nulla retorico, e della pietà di chi raccontò e racconta ciò che i tanti ossari dispersi nelle nostre regioni alpine ricorda doverosamente, e pretende dal visitatore un inchino profondo, rispetto e ‘compassione’, come oggi s’usa dire senza se e senza ma.

Vanno in colonna quei nostri soldati, scarpe e abbigliamento improbabili, infinita processione di ragazzi e padri di famiglia senza alternativa, sequenza puntiforme d’anime nei duri passi montani, allora, oggi luoghi paciosi del moderno viaggiatore, sovente ignaro passante o consumatore accanito di diavolerie tecnologiche – auto e mefitiche teorie di pullman fin sotto alle forcelle della sofferenza illimitata di quegli alpini, e del sacrificio di tantissimi di loro – scambiate per usuali bus di città.

Vanno e, sotto di loro, sentono i compagni scavare, “ soto i denti ghe ze ‘na miniera / ze i alpini che scava e spera / de ritornare a trovar l’amor…”: la guerra di mina, l’altra micidiale icona, la guerra sotterranea, gli uni sopra gli altri, anche più volte, a cercare nelle viscere della roccia una salvezza purchessia, con decine di migliaia di tonnellate insaccate in cunicoli e pozzi, e lo smantellamento di intere montagne, crateri immensi nei quali non serviva nemmeno seppellire le centinaia di morti, inghiottiti dalla terra che li aveva generati, ma per vivere, amare, crescere i figli…

Ma…ancora quel ma…sulla cima devastata dalle esplosioni e silente, funerea, allorché solo il vento rimane a vestire panni di un alcunché di vitale, percepibile alla carezza di un fiore, “ gli alpini non hanno paura ”, nonostante tutto, contro ogni logica di chi vive nella normalità delle convenienze e delle opportunità, di chi abbia – e anche grazie a loro abbiamo oggi – in sorte di non conoscere guerra, odio, dissoluzione di sé e del proprio vivere quotidiano. L’onore e l’arma ( i compagni di trincea più che tanta ufficialità ) sono salvi, devono essere salvi, perché elementi di una dignità che era parte del vivere valoriale e storico di quei contadini vestiti da soldato. Ciò, comprensibilmente dato che trattasi di canzone d’autore, sgorga dall’anima grata di un poeta e musicista a quei ‘ tosi ’, ma collima amorevolmente con le memorie loro, incise in diari e testimonianze, nelle balze montuose tuttora religiosamente tutelate e rispettate, almeno finché il sentimento onesto della storia vinca sulla dimenticanza degli ignavi o sul cinismo dei pavidi.

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Nota 1: I ‘ denti ’ di cui qui si parla, secondo la lettura preferibile del testo, sono in realtà due acrocori rilevati nella cresta del Pasubio, italiano l’uno, austriaco l’altro, il primo dei quali fatto saltare dopo mesi di scavo sotterraneo, di orecchie sulla roccia viva a distinguere i movimenti nemici, della speranza angosciosa di recuperare il filo di una sopravvivenza nel caos dell’annientamento del nemico, ancora e sempre questo. Oggi, a memoria solenne di quegli spasimi, è l’intero comprensorio del Pasubio diventato monumento e ammonimento vasto, complesso, anche affascinante in un certo senso. “ La zona del Pasubio, dichiarata monumentale dal 1922, è delimitata da 30 cippi che ricordano i reparti che maggiormente si distinsero negli accaniti combattimenti. Vi si accede percorrendo vie fascinose ed austere: la strada degli Eroi, nel cui tratto a monte sono collocate le lapidi ricordo di 15 decorati di Medaglia d'Oro, tra cui quelle dei trentini Cesare Battisti, Damiano Chiesa e Fabio Filzi; la strada degli Scarubbi e, la più famosa via d’accesso al Pasubio, una delle maggiori opere belliche di tutto il conflitto, la Strada delle 52 gallerie, una mulattiera che permetteva all’esercito italiano il collegamento fra la base del monte e la zona alta al riparo dal tiro nemico. La realizzazione di mine e contromine fu molto intensa anche sulla Marmolada con l'applicazione di cariche nei tunnel scavati nel ghiaccio ”.

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Nota 2. Con i drammi ‘sconfinati’, letteralmente, dell’oggi, dell’Europa sotto attacco, e di una ‘guerra mondiale’, la terza?, fatta di frammenti e presente già nei cumuli di detriti umani e strutturali, e di tante vittime innocenti, affatica e costringe al dubbio il nostro scrivere delle ‘ guerre grandi ’ del Novecento, commemorate così tanto forse per una scaramanzia sul futuro che pare infrangersi su interminabili follie e ipocrisie e problemi irrisolti dal consesso mondiale.

Ma tant’è: forse continuare a fare ciò che è bene ed utile fare nelle nostra dimensione umana e sociale è cosa giusta e necessaria, supponendo che i ‘grandi poteri’ rinsaviscano in tempo ( certo non come nella confessione dell’ex premier inglese Blair il quale, candido, ha offerto alle telecamere l’ammissione di una guerra all’Iraq intentata e disastrosamente compiuta senza le motivazioni addotte per imporne la necessità, anzi nella consapevolezza dell’inconsistenza di quelle ragioni). Ed inchinarci dolorosamente alla memoria delle vittime del terrorismo internazionale.

DIAMOCI UN TONO (O FORSE PIÙ D’UNO)                                                          (Breve viaggio nel magico mondo della musica)

di Alessandro Zanon

Quante volte il maestro ci informa che abbiamo “calato” o che siamo “crescenti”? Quante volte magari per questo ci siamo abbattuti o siamo andati “giù di tono”?  Ma che cos’è il tono e perché è così importante per noi?

Vi voglio guidare a un breve (e spero curioso) viaggio all’interno del magico mondo della musica per capire.

Premetto, non sono un musicologo, solamente un appassionato.   Per cominciare “Tono” deriva dal greco τόνος che a sua volta deriva da un verbo che significa: “Allungarsi“. In musica è un’unità di misura degli intervalli musicali.

La storia della musica “moderna“ nasce poco prima dell’anno 1000 (più o meno l’altro ieri) ad opera di un monaco, Guido d’Arezzo che mise in musica un inno, composto da un certo Paolo Diacono, dedicato a San Giovanni Battista.

Il testo, che in italiano suona:  “Affinché  i tuoi servi possano cantare   con voci libere le meraviglie delle tue gesta, cancella il peccato dal loro labbro impuro, o San Giovanni “ ha un fraseggio che cambia tono ogni riga ed è il seguente :                  Ut queant laxis /Resonare fibris/Mira gestorum/Famuli tuorum/Solve polluti/Labii reatum/Sancte Iohannes .

Come potete vedere le iniziali delle sillabe sono i nomi delle note:                                              UT (che nell'800 verrá mutuato in DO da parte del maestro Doni che userà parte del proprio cognome)/RE/MI/FA/SOL/LA. Non esisteva l'ultima nota perché nel Canto Gregoriano e nella musica medievale non c'era il concetto di nota Sensibile. Essa verrá aggiunta nel 16° secolo. E come mai si chiamerà? Ovviamente con il nome del Santo: Sancte Iohannes (SI)

Dopo Guido d’Arezzo la musica subì una grande rivoluzione con il compositore e teorico della musica veneziano Gioseffo Zarlino, vissuto nel '500 che  inventò la musica "tonale" o a toni, (quella che noi ancora oggi usiamo) sovvertendo la musica sino a quel tempo eseguita.

Tutto risolto? Magari! Il problema restava l'altezza dei suoni. Se un musicista italiano ed uno tedesco decidevano di fare un concerto insieme, erano problemi in quanto ognuno aveva il suo modo di intendere l'accordatura.

Ci pensò a risolvere il problema, almeno in parte Johann Sebastian Bach nella sua celebre opera Il clavicembalo ben temperato del 1722 (da bambino pensavo fosse un clavicembalo molto appuntito!) che studiò le prime forme del cosiddetto                        "temperamento equabile" cioè la stessa altezza dei suoni. La nota la3 ,quella del diapason per intenderci, ad esempio è definita per convenzione a 440 Hz, valore stabilito dalla conferenza internazionale di Londra del 1939.

Fra i primo ad usare queste innovazioni ci fu l'Enfant Prodige della musica:  Wolfgang Amadeus Mozart. In un meraviglioso film biografico ("Amadeus" , da guardare senza però lasciarsi ingannare da un inesistente  complotto ordito da Salieri) gli viene criticato di mettere "troppe note" nella sua musica. Forse fa sorridere ma Mozart era visto dai suoi contemporanei un po' come i musicisti rock erano visti negli anni '60 dai puristi della musica "seria".

L'ultimo passaggio di questa  storia tormentata ma avvincente fu ideato da un compositore moderno nato in Austria ma naturalizzato americano: Arnold Schönberg . Fu  uno tra i primi, nel XX secolo, a scrivere musica completamente al di fuori dalle regole del sistema tonale, e fu uno degli applicatori del metodo dodecafonico, basato su una sequenza (detta serie, da cui il termine “musica seriale”) comprendente tutte le dodici note della scala musicale cromatica temperata e cioè le 7 note della scala piú i 5 accidenti (le note nere del pianoforte) ovvero do diesis  altrimenti detto re bemolle, re diesis o mi bemolle,  fa diesis o sol bemolle, sol diesis o la bemolle,  la diesis o si bemolle).

La composizione di   di Schönberg  che meglio esprime questo nuovo concetto di musica è indubbiamente  l’opera  in 3 atti  Moses und Aron (in italiano Mosè e Aronne) composta tra il 1930 ed il 1932 e lasciata incompiuta.  Si tratta di un lavoro magistrale da ascoltare con molta attenzione, anche da parte di chi fosse scettico su questo genere di musica “strana”.

Il coro di voci bianche “ La voce del roveto ardente” del primo atto è talmente difficile da eseguire, che fino a qualche anno fa ne veniva addirittura proibita l’esecuzione per potenziali “danni permanenti all’apparato vocale”. (oggi invece viene eseguito ma solo da coristi professionisti dopo un estenuante lavoro sull’estensione dei suoni)

Ci sarebbero molte altre cose da dire, degli aneddoti anche divertenti da  raccontare.

Lo farò nel prossimo numero di "Marmoléda".

Sempre che abbia ancora un po' … di tono!!!

NOVE VOLTE LA PRIMA VOLTA

di Alessandro Zanon

Sabato 7 novembre 2015,  la prestigiosa sala della Scuola Grande di San Giovanni Evangelista … una data importante, e non solo per la presenza degli amici del coro ANA di Latina! Finalmente entro in modo “ufficiale” nell’organico del Coro Marmolada!

Tutto era iniziato una fresca serata di ottobre del 2014 quando, dopo una piacevolissima esibizione del Marmolada al Teatrino Groggia, fermando Claudio gli dissi: “Complimenti: è sempre un grande piacere ascoltarvi!” Al che lui rispose: “Il grande piacere sarà quando verrai a cantare con noi”.

Il lunedì successivo suonavo un po’ titubante il campanello della sede del coro.

Ed ecco il desiderato e “temuto” debutto.

Non è tuttavia il primo debutto: solo a livello corale è l’ottavo.

Ho iniziato da ragazzo cantando nei “Cantori Veneziani” diretto dal mitico maestro Davide Liani ( in quel coro cantava anche un certo Claudio Favret: lo conoscete?). Poi per molti anni ho fatto parte del “Complesso Vocale Antonio Lotti”.

Durante il mio trasferimento in Lombardia (dove sono stato per sette anni!) ho cantato con la Corale “Lorenzo Perosi” di Salerano sul Lambro, con il Coro misto dell’ A.N.A. di Melegnano ( bellissimo paese rinascimentale- famoso non solo per il casello autostradale- celebrato dal musicista francese Clement Jannequin e luogo di nascita di Papa Pio IV, zio di san Carlo Borromeo) e della Corale Polifonica della Basilica di Melegnano.

Tornato a Venezia, prima di approdare ho cantato per qualche anno con la Schola Cantorum San Giobbe. (tra l’altro mi è stato proposto di entrare in tale corale proprio al termine di un concerto del Marmolada, e proprio-deve essere destino- a San Giovanni Evangelista!)

Dicevo solo a livello corale: quando ero a Melegnano infatti ero membro della “Corale Chitarristica del Circolo Artistico” una piccola orchestra fatta solo di chitarre: un’esperienza assolutamente unica.

A Venezia per molti anni ho fatto parte della Compagnia Teatrale “Il Volto della Bautta”. Abbiamo girato alcuni paesi europei, fatto gran spettacoli a Venezia, animate diverse feste del Redentore al Cipriani,Veneto e Friuli, ma anche in altre parti d’Italia, tra cui al teatro “Raffaello Sanzio” di Urbino in occasione di un gemellaggio tra il Carnevale di Urbino e quello di Venezia.

Fui il primo ad entrare in scena, in penombra. Appena entrato e declamate le prime parole le luci si alzarono e mi trovai di fronte un teatro pieno  fino all’inverosimile e, in prima fila, il sindaco di Pesaro/Urbino con tanto di fascia tricolore. Credetemi ho avuto qualche attimo di panico e sono andato “fuori luce” (il faretto, cioè, non riusciva più a seguirmi) con conseguente “rimbrotto” del regista che per l’occasione era il grande Titta Righetti.

E oggi il Marmolada.

Sono contento, cantare nel Marmolada è uno dei miei sogni di bambino: un sogno che credevo irraggiungibile ma … mai dire mai.

Il mio impegno ora sicuramente crescerà con l’amicizia e la “complicità” dei coristi, come sta già capitando e chissà che, come dice il mio compagno di sezione Beppe, prima o poi non riusciamo a trovare la …. Moldava che scorre!

Un proverbio inglese, che è diventato il mio motto, dice “Each Dawn Is A New Beginning” ( Ogni aurora è un nuovo inizio!).

A ogni di noi allora “Buon Inizio!”

AUGURI

Il Direttore Artistico  Claudio Favret e

tutti i componenti

il Coro Marmolada di Venezia

augurano ai Lettori ed al Suo Pubblico

i migliori Auguri di Buon Natale e di Felice 2016

invitandoli ad andare alla pagina del suo disco

"...come una Cometa"

Attività del Coro Marmolada

Con la ripresa autunnale, il "Marmolada" è stato molto attivo; dopo la prima uscita al Rifugio Galassi (vedi numero precedente di "Marmoléda") e l'accompagnamento alla Messa per la festa della Madonna del Don, altri ed importanti eventi hanno interessato il complesso veneziano.

A fine ottobre l'organizzazione e la partecipazione ad un evento forse, e sottolineiamo "forse", diverso dai concerti di canti cosiddetti di montagna. Infatti il titolo dell'evento era "Canti liturgici veneziani e dintorni ..." dove il termine "dintorni" può assumere un duplice significato: il primo -che possiamo definire geografico- vuole identificare il territorio che circonda e che circondava nei secoli scorsi la nostra città, un territorio che va dalla costa dell'alto Adriatico, comprendente l'Istria e la Dalmazia fino all'entroterra montano del bellunese e del Friuli. Un territorio che, anticamente, faceva parte del Patriarcato d'Aquileia.

Il secondo significato è, invece, riferito ad un estensione del termine "liturgici"; la musica liturgica -e quindi anche il canto- è quella che viene eseguita durante le liturgie, ma vi sono anche altre musiche e canti che fanno parte sempre della sfera sacra o religiosa, ma anche spirituale nel senso più ampio del termine, pur non essendo eseguiti durante le liturgie.  Ed a quest'ultimo significato possiamo assimilare i canti messi appositamente in repertorio per questa occasione dal nostro maestro Claudio Favret.

A questo evento hanno partecipato altri due gruppi; il primo è il "Duo di cornamuse Giovanni Floreani  - Lorenzo Marcolina" di Udine che ha proposto una sintesi di brani tardo medievali e rinascimentali di area aquileiese.

A seguire abbiamo avuto l'occasione di ascoltare -nell'esecuzione del "Quartetto vocale della Cappella Musicale del Santuario di S. Maria Maggiore  di  Trieste" diretto dal M °David Di Paoli Paulovich-  brani liturgici che venivano eseguiti, fino a qualche decennio fa (prima del Concilio Vaticano II) durante le celebrazioni liturgiche nella città di Venezia; si chiamano canti patriarchini veneziani in quanto caratteristici del Patriarcato di Venezia e si differenziavano dai canti gregoriani normalmente eseguiti nel resto d'Italia. A chi volesse approfondire l'argomento consigliamo il libro "Melodie tradizionali patriarchine di Venezia" di Mario Dal Tin, Edizioni Panda, 1993.

Il 7 novembre il Coro Marmolada è tornato a cantare nella bellissima sala capitolare della Scuola Grande San Giovanni Evangelista in una rassegna a due cori; il coro ospite era il Coro A.N.A. di Latina, e la serata, organizzata dalla Sezione di Venezia del Club Alpino Italiano, è stata caratterizzata dai cosiddetti "canti di montagna".

Quest'anno sono iniziate le celebrazioni per ricordare il  centenario della Prima Guerra Mondiale, centenario che si protrarrà fino al 2018 e che ha visto, in tutto il nostro Paese, un fiorire di manifestazioni di vario genere tutte atte a ricordare quel tragico evento che sconvolse l'Europa e, per quanto ci riguarda, il territorio attualmente chiamato "nord-est".

L'evento proposto dal "Marmolada", in collaborazione con la Sezione di Venezia dell'Associazione Nazionale Alpini, è un spettacolo multimediale che si descrive bene nel titolo: «"...con l'anima in spalle..." - Parole, immagini e musiche dalla Grande Guerra».

Lo spettacolo è già stato ripetuto cinque volte (le prime tre nei primi mesi di quest'anno) e ultimamente l'abbiamo ripetuto nella Chiesa di San Benedetto di Venezia-Campalto e nel Teatro "Tullio Serafin" di Cavarzere (Ve) con la partecipazione, nelle letture, di alcuni studenti.

Il Coro esegue una serie di canti legati alle vicende della Grande Guerra, ma non solo, e ci auguriamo di ripetere lo spettacolo, magari nelle scuole e con l'attiva partecipazione degli studenti.

Sempre nell'ambito delle manifestazioni in occasione del centenario di cui sopra, il "Gruppo Montagna del Circolo Ricreativo Operatori Socio Sanitari della Ulss 12 veneziana" ha organizzato una mostra fotografica intitolata "Le montagne della Grande Guerra" nel corridoio San Domenico della parte monumentale dell'Ospedale Civile di Venezia e, nella vicina ed omonima sala, il 27 novembre il Coro Marmolada ha concluso l'inaugurazione della mostra con un concerto il cui repertorio era ispirato al tema della mostra.

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